Biografías y comentario de: Mario Testino, Manuel Outumuro, Jaume López, Eugenio Recuenco, Ouka Léele, Cristina García Rodero e Isabel Muñoz Vilallonga
Mario Testino
Nació en Perú en 1954, no sabía exactamente que estudiar así
que como siempre se le habían dado bien las matemáticas decidió estudiar
Ciencias Económicas.
Más tarde, dejaría esos estudios para comenzar derecho, que
comprendió que tampoco le interesaba.
En 1976 se trasladaría a Londres donde empezaría a hacer
fotografías más profesionalmente y a formarse en este ámbito, en 1986 se mudará
a Nueva York, dónde empezará a trabajar con Vogue que en el 2014 le otorgarán
el trofeo al " Mejor fotógrafo del
Mundo”.
Un año después, en Nueva York también, recibió el premio a
la trayectoria y en 2001 el premio Reina Sofía como Oficial de la Muy Excelente
Orden del Imperio Británico, junto con Ferran Adriá y Javier Barden reconociendo sus servicios
fotográficos y su labor social. También es por su 40 años de carrera y
contribución a las casas de belleza, creando emblemáticas fotografías para
marcas con Gucci, Buberry, Versace and Michael Kors.
El
mismo año ganó el premio de Inspiración GQ Hombres del Año en su última edición
en Londres.
Mario Testino era un genio, que movía famosos y cifras
millonarias con su talento, se relacionaba con las altas esferas del mundo de
la moda, el arte y la política —ha estado vinculado con la familia real
británica hasta su acusaciones por abusos sexuales, con la que ha quedado
vedada su entrada en el Buckingham.
Ha sido retratista de cabecera de numerosas celebridades
como Diana de Gales, Kate Moss, Madonna o Gisele Bündchen, y su trabajo es muy
reconocido a nivel mundial por sus audaces fotografías de moda e imaginativas
campañas publicitarias.
La foto en un primer plano, se compone de un elemento
principal que es en este caso una mujer seria, Julia Roberts, una famosa actriz
que ha ganado tres globos de oro.La fotografía no está muy enfocada, ella tiene la mirada
perdida por encima de la cámara, lleva puesta una blusa floral y llama la
atención los dos tocados verdes y rojizos que tiene a los lados de su cabeza. Hay una línea horizontal en sus hombros y una vertical que pasa por su nariz y cuello. Es un contrapicado.
La imagen tiene un color cálido aunque tiene grandes contrastes
ya que su piel y los tocados son rojizos
y la parte más inferior es azulada, además hay mucha oscuridad en su pelo
comparado con el fondo en la parte de arriba que quizás esté algo quemado.
Manuel Outumuro
Nació en La Merca, Orense el 9 de septiembre
de 1949, aunque ha pasado
prácticamente toda su vida en Barcelona, a dónde se
trasladó siendo muy pequeño. Sus estudios son de diseñador gráfico pero se pasa
a la fotografía de una forma totalmente autodidacta en 1990. Ha vivido siempre
en Barcelona excepto cuatro años que pasó en Nueva York, donde colaboró con
diseñador gráfico.
Es reconocido como uno de los mejores fotógrafos de moda
españoles.
Ha editado cinco libros de fotografía, ha hecho muchas
exposiciones individuales, aunque su mayor trabajo es de moda, del que la mitad
es en blanco y negro, su archivo en este ámbito asciende los 10.000 negativos,
además de una gran cantidad de material digital.
Como fotógrafo ha publicado en diferentes revistas
internacionales (Vogue, Elle, Zest) y españolas (Telva, Fotogramas, Woman, La
Vanguardia, El Mundo, Elle, El País y especialmente y de una forma continuada
en Marie Claire), y ha sido colaborador de la revista Por Favor e impartió
clases en la Escola Eina durante cinco años en la modalidad de Dirección de
Arte.
Se le ha premiado con el Lux de Oro de la Asociación de
Fotógrafos Profesionales y ha recibido varios Laus de Oro (premios del diseño
gráfico). Ha sido distinguido con el premio ARI como mejor fotógrafo en el año
2002 otorgado por la Asociación de Editores de Revistas de Información. Su
estudio de Barcelona, recibió el Premio ACCA 2002 (Associació de Crítics d’Art
de Catalunya) a la iniciativa privada de la recuperación del patrimonio.
Manuel Outumuro se ha convertido en uno de los fotógrafos de
moda más importantes de los últimos tiempos.
La foto que he escogido es en blanco y negro, la situación
es dentro de un coche, que divide la escena horizontalmente en dos, y verticalmente
en tres tercios, fuera del coche una calle cualquiera.
Hay dos personajes, una mujer, que
está ocupando la mayoría de la escena, y un hombre que ocupa apenas un cuarto
de la imagen, pero es lo que le da sentido a el conjunto de la imagen. El
hombre mira a la mujer y tiene su mano colocada en la parte posterior del
cuello de ella, que está rígida y latente, tiene la cabeza orientada hacia la
carretera con la mirada perdida, puede que incluso echando el cuerpo hacia
delante para que no la toque.
A mí me parece que no se siente muy cómoda con
esa situación. No sé si es lo que quería reflejar pero subjetivamente hablando
me recuerda a la situación de muchas mujeres explotadas en su trabajo, en las
que son acosadas por un hombre de cargo superior que les amenaza con echarlas
de su trabajo o no darles un ascenso o cualquier otro motivo laboral que pueda
afectarles. La veo indefensa pero a la vez expectante, en tensión, como si
quisiera que parara, pero está contenida y no habla y aguanta.
Jaume López
Nacido en Barcelona en el 1966 es el fundador en 1990 junto
a su hermano Carlos y Ricard Puignou de LAIGUANA.
Una empresa dedicada a la imagen audiovisual de la cual
Jaume adoptó para sí el nombre tras el fallecimiento de su hermano, dando así
continuidad al proyecto y a los empleados que lo formaron.
LAIGUANA es actualmente además, un colectivo que recoge
artistas dentro de varias disciplinas como: la fotografía, el arte digital, el
video arte o incluso la danza. Ha trabajado para multitud de marcas y
publicaciones.
Imágenes diferentes, muy trabajadas en la producción y
buscan siempre que refleje que por encima de la realización de la foto, la
belleza de lo imperfecto con escenografías muy impactantes.
Ha sido ganador de multitud de premios Lux, que otorga la
Asociación de fotógrafos profesionales, entre 1998 y 2002 en distintas
categorías como son: publicidad, moda editorial, reportaje y retrato entonces decide
dejar de presentarse y comienza a participar como jurado en varias ediciones
posteriores.
Procedente del diseño y de la publicidad, este diseñador
gráfico, fotógrafo, director de arte y realizador, ascendió su trabajo como
fotógrafo a la realización de spots y videoclips. Comenzó con 19 primaveras en
el mundo de la publicidad y el arte.
Se le considera el da Vinci de nuestro tiempo. Es un asiduo
colaborador de gente tan conocida como Alejandro Sanz o Shakira, y ha sido nominado
en los MTV latinos.
Sus trabajos a destacar son: Un calendario que realizó con
12 prestigiosas modelos del momento y en el que intentaba concienciar sobre el
daño que el ser humano le está haciendo al planeta.
Uno de los más recientes y reconocidos es el que realizó
para el programa ADO, justo antes de los juegos olímpicos de Pekín 2008;
representó a los diversos deportistas en un entorno propio de la revolución
industrial, haciendo un símil entre el trabajo de los deportistas que trabajan
duro por sus metas y el de los trabajadores, el resultado fue increíble.
Un total de 18 fotografías en blanco y negro que representan
el lenguaje mudo del cuerpo femenino; la expresión corporal en todas sus
vertientes reflejando las partes del cuerpo de una sola mujer;Recogen esta
exposición que tiene como título “el lenguaje de la piel”.
Fotógrafo de grandes actrices como Rossi de Palma, Adriana Gil, Pilar
Bardem, Paz Vega, diseñadoras como Agatha Ruíz de la Prada, Sara Navarro, tenistas
como Carlos Moya o las cantantes Rosario Flores, Gloria Estefan, Marta
Sánchez...
Premio Nacional de fotografía es a sus 36 años uno de los
fotógrafos más auditados del momento por su originalidad a la hora de encarar
sus distintos trabajos en el mundo de la imagen.
Acaba de publicar un libro que recoge toda su trayectoria
profesional.
La virtud, la búsqueda de la belleza, las imperfecciones, los
accidentes o las casualidades; la provocación, el inconformismo, el trabajo y
el aprendizaje son constantes ingredientes, que marcan
gran medida de la obra, de
Jaume de Laiguana.
En esta foto hay una mujer con un vestido color perla oscuro
tumbada en el agua, tiene flores y hojas alrededor y su pelo también
lo hace. Ella sin embargo flota, su vestido inicialmente blanco ha comenzado a
enterrarse. Está tumbada en la mitad de la foto, dividiéndola en un eje horizontal
y las hojas crean una viñeta alrededor de ella. La angulación es cenital y el tipo de plano es general.
Esta fotografía me transmite una brutal fugacidad de la
existencia, la pérdida continua e inevitable del tiempo, como si el tiempo
fuera del agua que fluye, que pasa de largo y que debería arrastrala con él y
ella estuviera estancada y no quisiera avanzar.
Como si las hojas y las flores fueran los problemas que
pasan, se deterioran y mueren. Pero ella no querría que el tiempo pasara
querría vivir en juventud y no deteriorarse como ellos, por eso se estanca.
Eugenio Recuenco:
Nace en Madrid en 1968 trabaja principalmente en los campos
de edición y publicidad.
Siempre se sintió atraído por la historia y la pintura
aficiones que se refleja en la mayoría de sus fotografías.
Estudió bellas artes y durante sus primeros pasos pensó en
dedicarse a la pintura a gran escala pero poco a poco se fue introduciendo en
el mundo de la fotografía que convirtió en su profesión y en su pasión
Fotógrafo de grandes revistas de moda como Vogue, planeta,
Vanity Fair o Marie Claire pero su gran oportunidad le llega en Paris, donde se
traslada a vivir. Recuenco es uno de los fotógrafos más versátiles del mundo,
sus fotografías parecen sacadas de un cuento tétrico.
Su amor por la pintura y su influencia del renacimiento y de
autores como Picasso hacen de sus fotografías escenarios únicos.
Recibe el premio ABC y Cannes de fotografía y en 2008, ganó
el premio a la mejor campaña publicitaria del año con un spot para LOEWE.
Ha sido galardonado con varios de los mejores premios sobre
fotografía y publicidad alrededor del mundo, como el prestigioso Gold Lion en
la categoría de Press/Best.
Sus series de fotografías con sello propio Circuit, Dreams (sus
dos grandes proyectos.) y Serie 51 (trabajo con el que ha dado un giro a la
fotografía de moda y publicidad.)
Eugenio Recuenco marca la diferencia junto a su equipo: Eric
Dover; director de arte y Paz Otero en el proceso de post producción.
Esta fotografía es muy alargada horizontalmente y nos presenta un entorno natural, un lago con vegetación alrededor, en un día nublado con niebla. Es un plano general descriptivo y la anulación de la imagen es algo picada. Hay una línea del horizonte es muy obvia y solo hay un elemento principal vertical, que es una mujer que se sitúa en el en el centro de la imagen y lleva un vestido largo por características del paisaje o de la ropa que lleva la mujer se podría considerar que es un país nórdico o Inglaterra. La foto crea un ambiente pasado a la actualidad ya que el vestido no corresponde a esta época ni su peinado. Hay una referencia anacreóntica a nuestra actualidad, ya que porta una linterna, que no apunta a nada en concreto.
Me proyecta una sensación de inseguridad, de sentirse
abrumado, perdido o incluso insatisfacción personal. Quizás esté buscando eso
que tanto necesita, una luz con la que guiarse, una motivación La linterna le
puede ayudar en su camino, en ese lugar oscuro y lleno de niebla que le
incapacita continuar. Quizás sea una persona anclada al pasado, de ahí la referencia,
esa ropa y peinado antiguos o quizás no recuerda su pasado (ese entorno
brumoso) o no puede olvidarlo (y por eso está todo en brumas y no encuentra lo
que necesita)
Bárbara Allende Gil de Biedma; es mejor conocida en el medio
del arte por Ouka Léele,
pseudónimo que toma de la obra del pintor de “El Hortelano”.
Esta fotógrafa española nace en Madrid en 1957.
Su primera vocación fue la pintura y de hecho curso Bellas
Artes, aunque abandonó la carrera para iniciar estudios de piano, al tiempo que
acudía al Photocentro de Madrid para aprender fotografía.
Comenzó a exponer en 1978 sus fotos eran habitualmente en
blanco y negro (odiaba las fotos en
color) y al serle encargada una fotografía en color para una portada decidió
inventar ella misma el color de la imagen .Fue así como empezó a colorear sus
instantáneas.
Expone en España, Europa, Estados Unidos y Japón, destacan, su
participación en la Bienal de Arte
Contemporáneo y su primera exposición en el Museo Español de Arte
Contemporáneo.
Sus primeras obras combinan elementos pop y neodadaístas con
gamas de colores ácidos e intensos. Es autora de diversos libros en los que
combina sus imágenes con sus propias poesías, Ouka Léele se ha dedicado también
al diseño de objetos.
Esta fotógrafa se expresa por medio de imágenes exageradas
con una combinación de explosivos y escenas un tanto surrealistas que buscan
explicar los sucesos de la vida cotidiana.
Participa en la Ayuda para Artistas Jóvenes del Ministerio
de Cultura, 1982.
Ganó el premio Icaro de Artes Plásticas concedido por el
desaparecido periódico madrileño Diario 16, en 1983, el premio de Cultura de la
Comunidad de MADRID en 2003, y el premio Nacional de Fotografía en 2005.
En 2012 se hizo acreedora a la medalla de plata de la
comunidad de Madrid y en ese año también ganó el tercer premio Nacional de
fotografía Piedad isla de la Diputación Provincial de Palencia. Sus imágenes
han sido publicadas en revistas como Diorama, Photo Magazine, Reviste Actual,
entre otras.
Su consolidación artística se produjo en la década de los 80
con la movida madrileña junto a Mariscal, Almodóvar y García Alix ,Ouka Léele
se convierte entonces en representante indiscutible del arte de la pos
modernidad.
Su actividad se diversifica llegando a ilustrar libros y
aparecer en numerosas revistas como Dezine, Reviste Actuel, Telos, Photo
Magazin y Diorama.
Ha protagonizado una película de culto titulada La mirada de
Ouka Leele del director Rafael Gordon.
En esta foto hay un hombre en primer plano, mirando hacia la derecha con el cuerpo levemente girado. Lleva puestas tres serpientes en la cabeza y tiene muchos arañados en el cuello. La angulación es normal, y hay una línea horizontal en su hombros. Lo más destacable de esta foto es que está pintada por encima, probablemente no con los colores que le correspondería ya que el hombre, tiene el pelo verde, la camisa naranja y los labios y ojos son morados como el fondo.
A mí esta foto con estos contrastes estos impactos de
colores tan potentes me generan una sensación incómoda, sobre todo después de
mirar la expresión de los ojos morados del hombre y el ceño fruncido, “una
mirada asesina”. Puede tener que ver con las serpientes atadas en su cabeza que
siempre han hecho referencia al mal. Yo interpreto que esas serpientes son
pensamientos negativos o malos pensamientos ya que se están mordiendo la cola
entre ellas, y además tiene arañazos por el cuello, se podría decir que esos
pensamientos le están carcomiendo y está planteándose decir lo que realmente
piensa, de ahí esa mirada tan expresiva.
Cristina García Rodero:
Nació en Puertollano, Ciudad Real, el 14 de octubre de 1949.
Licenciada en Bellas
Artes por la Universidad Complutense de Madrid comenzó su carrera docente
en
1974 dando clases de dibujo en la escuela de arte y oficios de Madrid, hasta el
2007.
Es miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San
Fernando la primera y única persona de nacionalidad española integrante de la
prestigiosa Agencia Magnum.
Sus primeras obras aparecen en los concursos universitarios
a finales de los años 60 en 1973 y se plantea la tarea de fotografiar
costumbres y fiestas por toda España para lo que recibe una beca.
Así más tarde nació España Oculta Cientos (1989) un
reportaje fotográfico documental realizado en diferentes pueblos; de distintas
regiones españolas, dejando patente la situación en el ámbito cultural,
económico, social, etc, de una España que cada vez era más moderna. Les siguió España fiestas y ritos y
Transtempo, esta última centrada en Galicia.
Entre sus trabajos más importantes encontramos también
fotografías de ritos dados en el extranjero como María Lionza, la Diosa de los
ojos de agua en Venezuela o India.
Hizo fotos en el Holi Festival de la India, en el que tuvo
que abandonar su clásico blanco y negro para dejar paso a los colores que
invaden este ritual indio.
Su obra fotográfica se podría enmarcar en el reportaje aunque
desde un punto de vista muy personal.
Cristina García Rodero ha ganado el Premio World Press Photo
de Vida Cotidiana, y el Premio World Press Photo por Arte y Entretenimiento.
Su último trabajo “Con la boca abierta “, que se compone de
55 fotografías, realizadas a lo largo de toda su carrera profesional, de
retratos de personas que aparecen con la boca abierta. Todo esto surgió durante
sus viajes, cuando se fijó en lo gracioso de la situación y decidió empezar a
documentarlo. La exposición ha triunfado tanto en España como en la India o
Rusia, donde ha sido acogida con gran entusiasmo.
Cristina García Rodero es una de las fotógrafas más
importantes de nuestro país, gracias a su enorme trabajo dentro del mundo de la
fotografía documental; logrando capturar de una forma muy personal, momentos
tan únicos, dentro de la cultura de cada país y de España en especial.
La imagen que voy a describir está en blanco y negro; hay dos personas dormidas encima de una manta que son una mujer joven tumbada bocabajo con dos piernas ortopédicas abrazando un cojín y un bebé apoyado en ella, dormida boca arriba. La mujer crea un eje vertical algo girado que parte de la imagen en dos. Parecen estar en una zona subdesarrollada de África, ya que carecen de cama, llevan tejidos con estampdos étnicos y ambas son de raza negra. El ángulo es cenital y el plano podría ser un americano largo pero cortando la cabeza.
Me parece una foto muy emotiva y que refleja perfectamente
la situación de algunos lugares de África en los que las mujeres tienen que
encargarse de los niños, la casa, la comida y el agua todos los días lo que
supone una enorme carga para ellas, sobre todo con discapacidad, en este caso.
Creo que Cristina quería reflejar la fortaleza de esta
mujer, estando expuesta a muchas enfermedades, durmiendo en el suelo, y con esa
responsabilidad tan grande que tiene que cargar sobre sus hombros
(probablemente no sea su única hija) es increíble y nos enseña el momento en el
que tras un día tan duro finalmente descansa.
Isabel Muñoz Vilallonga:
Nació en 1951 en Barcelona.
En el año 1970, a punto de cumplir 20 años se traslada
Madrid, donde comienza a descubrir su Muñoz Ramonet. En
1979 decide hacer de la fotografía su profesión matriculándose en Photocentro.
pasión
por la fotografía. Es la hija
mayor del magnate Julio
En 1981 comienza su trayectoria haciendo encargos para
prensa y publicidad.
Conoce a Tote Trenas, quien le introduce en la fotografía
para cine, eso le permite trabajar en películas como Sal Gorda de (Fernando Trueba) y Penumbra.
Viaja a Nueva York para ampliar sus estudios. Se matricula
en Visual Studios, donde estudia collage con John Wood y cianotipos con Marta
Madigan.
En el 86 regresa a Madrid y expone por primera vez en el
Instituto Francés.
La técnica utilizada por Isabel Muñoz para la realización de
sus obras es la platinotipia.
Esta técnica, obtiene copias monocromas por contacto, con
materiales sensibilizados con sales de platino y hierro, tras un revelado con
oxalato.
Posteriormente se dedica a recorrer mundo con su cámara, consiguiendo
maravillosas instantáneas; que van desde el estudio de los bailes y danzas
propios de cada país, a la arquitectura, o la forma en que algunas tribus, se
expresan a través de su piel.
También ha efectuado fotografías, cuya temática ha sido: el
flamenco y la capoeira (sin olvidar su espléndida serie de fotografías al Ballet
de Víctor Ullate).
En otro viaje a China tienen la oportunidad de fotografiar
la escuela de circo en Beijing y hacer un estudio sobre las artes marciales en
una escuela de Shaolin.
Fotografía para denunciar la esclavitud y los mutilados por
culpa de las minas anti personas. En Etiopía, fotografía a innumerables tribus,
buscando la decoración corporal, como forma de expresión. En el Salvador, fotografía
las tribus Urbanas y hace un extenso estudio fotográfico sobre las “Maras”.
Con todo esto, gana el Premio Nacional de Fotografía, Premio
World Press Photo por Arte y Entretenimiento, Premio World Press Photo a
Retratos.
Colaboraciones con muchos artistas y publicación de 41
libros hasta la fecha todo esto lacio ocupar un lugar destacado dentro del
mundo de la fotografía indudable calidad técnica de sus fotografías y un
extremo dominio de las imágenes en blanco y negro.
Hay un niño de raza negra con la cara y el torso pintados,
la mano en el pecho mirando a cámara y con unas hojas que le tapan los hombros
y la mitad de la cara. Es un plano medio, la mirada es muy profunda además de
que la fotos en blanco y negro. La foto se compone únicamente de eso y de un fondo gris oscuro, la mitad visible de la cara divide la imagen en dos verticalmente. No hay más líneas a parte de esa y la de sus hombros, echados hacia atrás, la foto no es simétrica y es un contrapicado.
Este niño me transmite orgullo, orgullo de sus tradiciones, de
sus costumbres, de su tierra,y de sus orígenes. Pasión por sí mismo y por su
entorno. Fortaleza y amor propio, con esa mirada tan intensa mirando a cámara,
y con esa pintura y el pecho hacia afuera, como diciendo, “de aquí es de dónde
provengo”. Me da la sensación de que las hojas al tapar parte del cuerpo del
niño le riqueza a la foto y fluidez con el movimiento de las hojas, además de
darle más importancia a los elemento principales de la foto, el torso pintado
con la mano en el pecho, y la mirada casi camuflada.
OPINIÓN PERSONAL
De todos estos fotógrafos, mi preferida es Cristina Rodero. Me gusta como compone las fotos, sin estar recargadas de elementos, dando un mensaje claro y conciso, se entiende perfectamente lo que critica y el por qué.
Me parece increíble cómo es capaz de marcar aspectos crueles o que considera equivocados de una manera tan fría y expositiva volviéndose de alguna forma convertida en sensibilidad. Lo que más me gusta de esta artista, es la forma en la que se involucra en su trabajo, enseñándonos desde dentro las tradiciones de un país, como en la Diosa de los ojos de agua.
Retrata a muchos niños y señores mayores, además de tradiciones, todo en blanco y negro, por eso supongo que transmite tanto, con tan pocos elementos. Es muy difícil con tanta simplicidad de elementos hacer una crítica social tan intensa y poder, a la vez despertar nuestra parte más humana.
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